segunda-feira, 29 de junho de 2009

Hippie Picasso



Why is late Picasso enjoying a surge in demand? 

In London this week, Sotheby’s and Christie’s held their regular June auctions of Impressionist and Modern Art. Christie’s evening sale realised a total of £37m ($60.4m), while Sotheby’s brought in £33.5m. Although Sotheby’s revenue was lower, it was deemed the greater success as their auction had a higher sell-through rate—85% by lot and 91% by value versus Christie’s 68% by lot and 84% by value. For auction houses, prices are significant but unscuppered trades are the imperative.

The result of a “tough gathering season”, as Christie’s Thomas Seydoux put it, the auctions were well-pruned affairs featuring respectable works at relatively modest prices. Collectors have a particularly strong attachment to their masterpieces in times of trouble; it’s much easier to part with works when auction houses offer guarantees. This week, the only work singled out for a guarantee—specifically, an “irrevocable bid”, the newer, happier term used to describe a third-party guarantee—was a 1969 painting by Pablo Picasso.

To the relief of that anonymous guarantor, “Late Picasso” was one of the week’s success stories. Both Christie’s and Sotheby’s offered paintings titled “Homme à l’épée”, which featured a sword-carrying musketeer painted by Picasso in his 88th year. Christie’s slightly larger, predominantly white canvas had been acquired in 2005 for £2.7m. It sold on Tuesday for £5.8m. A nice return. Sotheby’s mainly red oil on board, which had been used on the poster of an important Avignon exhibition, achieved the even higher price of £7m on Wednesday.

Why, contrary to the general slide in art prices, is late Picasso enjoying a surge in demand? Helena Newman of Sotheby’s says, “Twenty years ago, works from the Blue, Rose, Cubist and Classical periods were considered the art historical pinnacle and the height of what collectors wanted. Now there is a broader focus on the full range of Picasso's work: the portraits of Dora Maar and Marie Therese, the still lives of the 1940s, the late paintings.” She adds, “Picasso is unrivalled in having produced great works in every decade of his creative output.”

Olivier Camu, a Christie’s specialist, suggests that these works are a stylistic bridge between modern and contemporary art that attracts crossover buyers. “Whereas classic Picasso collectors tended to turn up their nose at the late works, collectors of Abstract Expressionists and even 1980s expressionists like Jean-Michel Basquiat are attracted to both the aesthetics and relatively reasonable prices of these big, bold, colourful pictures.”

Giovanna Bertazzoni, Co-Head of Impressionist and Modern at Christie’s, points to a flurry of big museum shows and identifies a general curatorial re-evaluation of the artist’s oeuvre. Previously the 1960s paintings had been perceived as the childish scribbles or doddering fantasies of an old man warding off impotence. However, essays such as “Peace and Love Picasso” by Dakin Hart, which was published in a recent Gagosian Gallery catalogue, argue that the musketeer paintings were not only in dialogue with old masters such as Rembrandt and Velasquez, but with the youth of their time. Picasso, a pacifist since his “Guernica” days and the kind of free-spirit to empathise with the Summer of Love, developed his own pictorial “Musketeer Counter-culture,” according to Mr Hart.

The taste of a younger generation would seem to be integral to understanding the fashionability of late Picasso. “Younger collectors want paintings that are informal, splashy, less academic,” suggests Gabriel Safdie, a Geneva-based dealer. “They are not interested in sombre easel painting or dry Cubist exercises.”

The musketeer on the block at Sotheby’s was acquired by Samir Traboulsi, a Lebanese financier, while Christie’s swashbuckler was purchased by David Nahmad, a currency trader and powerful art dealer. With his family, Mr Nahmad owns several hundred Picassos, and has been buying late Picassos since the early 1970s when they sold for $40,000-50,000. “Blue period, Dora Maar, Marie Therese... it’s like Mayfair, Chelsea and Knightsbridge real estate,” says Mr Nahmad. “There are fashions but, overall, everything goes up.”

In the past, the Nahmads have been suspected of supporting the price of Picassos at auction in order to maintain the value of their inventory. “All manipulators lose money,” counters Mr Nahmad. “If I died tomorrow, the Picasso market would go on.” He is so passionate about the artist's work that he loves buying Picassos that he has owned before. “The art market is something for beauty and intelligence,” he says. “It’s not supposed to be a casino.”

Jun 27th 2009


Photo - Reuters

A new tribute to the Parthenon

As Greece´s first Socialist culture minister in 1981, the late Melina Mercouri, a flamboyant actress best known for playing a golden-hearted prostitute in a film called “Never on Sunday”, decided to make her mark in politics by campaigning for the return of the Elgin marbles from the British Museum (BM) (see article).

Mercouri’s pleas to officials in London were ignored, but she scored two successes. First, the fifth-century-BC sculptures that Lord Elgin, a British diplomat, removed from the Acropolis temples in 1801-05 and later sold to the BM have become more widely known as the Parthenon marbles—the name chosen by Mercouri to highlight where they came from. More important, her campaign added fuel to an international debate over who owns cultural property, whether ancient Greek or ethnic African, that has burned ever since.

On June 21st a new museum opened in Athens to display the Parthenon sculptures and other finds from the Acropolis hill, fulfilling Mercouri’s promise that Greece would one day build a suitable home for the Parthenon frieze and other exiled masterpieces of classical art. At the opening ceremony—attended by José Manuel Barroso, president of the European Commission, and Koichiro Matsuura, director-general of UNESCO, the UN agency for cultural heritage—Antonis Samaras, the current Greek culture minister, made a point of condemning the 19th-century “looting” of treasures from the Acropolis. Also present were representatives of committees in 17 countries that campaign for the marbles’ return, as well as the deputy chairman of the BM’s board of trustees.

The €130m ($180.5m) new Acropolis Museum, a stack of glass-and-concrete boxes designed by Bernard Tschumi, a Swiss-born architect based in New York, together with Michael Photiadis, his Greek associate, is uncompromisingly modern. Its glittering bulk, squeezed into a narrow plot beneath the Acropolis hill, contrasts sharply with shabby blocks of flats nearby and the pale-coloured rocky slope. Some Athenians complain it is simply too big for the site. Yet both Greek and foreign visitors seem delighted by the museum’s spacious, daylight-filled interior.

In the first-floor gallery, free-standing marble statues of men, women and horses glow against a background of grey concrete walls and columns. Floor-to-ceiling windows are made of thick crystalline glass embedded with mineral particles to cut out glare. Mr Tschumi says, “The marble reflects light, but the concrete absorbs it…the use of daylight is fundamental to this museum.”

Glass floor-panels in connecting spaces illuminate an excavation in the basement of the museum (soon to be opened to visitors) of houses and streets in an Athens neighbourhood dating from early Christian times.

The caryatids, five larger-than-life-size female statues that supported a porch on the Erechtheum temple on the Acropolis, survey the museum’s lobby from an internal balcony. An empty space has been left for the sixth, which is in London.

Mr Tschumi’s showpiece is the top-floor Parthenon gallery, a cool glass box with a spectacular view that mirrors the dimensions and orientation of the temple itself. Below, projected on the wall, is a digitised video animation of elegant korai statues (pictured above).

The frieze, a mix of honey-coloured marble panels and glaring white plaster casts of pieces in the BM, shows a procession of worshippers carrying offerings to Athena, the temple goddess. It is mounted at eye level on a grey concrete wall, an arresting display that could almost be an installation in a contemporary art show.

Dimitrios Pandermalis, the museum’s director, says, “We thought about leaving gaps for pieces that are in London, but we eventually decided that the casts would give continuity while making it quite clear how the frieze has been divided.”

By comparison with Athens, the BM’s display, which amounts to half the remaining frieze, and which was improved in 1998, now looks a little tired. Alexandros Mantis, a Greek expert on the ancient Acropolis temples, also points out that the frieze, which ran around the exterior of the Parthenon, is arranged in London around the interior of a gallery, which is architecturally and aesthetically wrong.

For the Greeks, criticised in the past for not having a suitable place to display the Acropolis sculptures, the inauguration of the new museum is the strongest possible argument for repatriating the marbles.

Moreover, it fulfils a widespread belief that architectural sculpture should be displayed as close as possible to the building it once decorated. Atmospheric pollution rules out placing the sculptures back on the temple itself. But the Parthenon gallery in the new museum is 300 metres and a single glance away from the temple.

However, Neil MacGregor, the BM director, is as passionate (and as eloquent) about keeping the marbles in London as the Greeks are about getting them back. Mr MacGregor argues that they have belonged to a unique collection for more than 200 years, in a museum that attracts more visitors than any other in the world, rather than just to one nation’s history.

An eventual solution—though probably not one that will happen on Mr MacGregor’s watch—would be to send the marbles back to Athens on loan and accept the Greek offer to provide a series of temporary exhibitions of classical art to fill the gallery. But that would require the Greeks to recognise British ownership of the sculptures in London, something Mr Samaras says would be “impossible”.

With mutual prickliness running high, the stand-off looks set to continue. In the meantime, though, Athenians and their visitors can be proud of their stunning new piece of architecture, filled with indisputably great art.

Jun 25th 2009 | ATHENS
The Economist print edition

Del laicismo a la democracia religiosa

Algunos observadores españoles consideran que la religión ha perdido influencia en la vida social. Se esfuerzan en exponer las cualidades del laicismo y afirman que es laico el régimen político formalizado aquí por la Constitución de 1978. Se confunde laicidad con aconfesionalidad. Es un enfoque equivocado de lo que ahora tenemos delante. Tal vez sea fruto de una visión «provinciana», según la cual nuestro horizonte es Francia, un país en el que se instauró desde hace tiempo el Estado laico. Pero el mundo español actual desborda los límites geográficos e históricos de Francia. Ni siquiera nuestras fronteras son las europeas. Con una visión universal hemos de concluir que, además de los españoles y de los franceses, hay pueblos importantes en otras zonas de este planeta. Con tal manera de acercarnos al asunto nos damos cuenta de que la religión tiene un peso extraordinario en el mundo contemporáneo. La famosa «lucha de clases», como motor de la historia, en la teoría de Marx, ha sido reemplazada por las guerras de religión. Hace unos días Mahmud Ahmadineyad proclamó que «la democracia religiosa iraní» es superior a la «democracia liberal», tan carente esta última de ética.

He aquí la situación. El año 1848 Carlos Marx y Federico Engels redactaron el «Manifiesto Comunista», en cuya primera parte se contienen unas afirmaciones luego mil veces repetidas: «La historia de toda sociedad humana, hasta nuestros días, es la historia de las luchas de clases. Hombre libre y esclavo, patricio y plebeyo, barón y siervo de la gleba, maestro y oficial de gremio; en una palabra, opresor y oprimido, frente a frente siempre, empeñados en una lucha ininterrumpida, velada unas veces y otras franca y abierta; en una lucha que conduce a la transformación revolucionaria de todo el régimen social o al exterminio de ambas clases beligerantes». El panorama ha cambiado en el último siglo y medio. Hoy el gran motor de la historia es el enfrentamiento entre religiones. Se dijo por un clásico francés: «El siglo XXI será religioso o no será», y se ha confirmado el pronóstico. Vivimos uno de los momentos donde la religión tiene más fuerza en los distintos puntos del globo: diferentes religiones, claro es.

Si nos fijamos en Estados Unidos, por ejemplo, el visitante comprueba que allí es extraordinario el paso de la religión. Si asiste a la convención nacional de los partidos políticos (un hecho trascendental en aquella vida pública) advierte que comienza la reunión pasando por la tribuna los representantes de todas las religiones allí establecidas, como religiones importantes: desde la católica, las protestantes, la mahometana, la judía..., y todos pronuncian unas palabras y bendicen el congreso. Decir que aquello es un régimen político laico sería una inexactitud. Allí la fuerza de las religiones resulta notable.

Estados neutrales pero con sociedades religiosas: ahí está, a mi entender, la mejor descripción. ¿No es significativo que algunos jugadores de fútbol se persignen al saltar al campo? Sociedades religiosas, donde la religión ha adquirido y adquiere día a día tal fuerza que lamentablemente es motivo de luchas terribles y de guerras.

En el campo del Derecho internacional se distinguía -y se distingue- entre la neutralidad y la no beligerancia. En mi juventud, ya lejana, esto tuvo un enorme interés en la vida española. En los años cuarenta se discutía mucho, durante la Segunda Guerra Mundial, la posición de España, porque España, al principio, se había declarado «neutral» en el enfrentamiento entre los alemanes y los países que Alemania invadió; finalmente la guerra con Inglaterra y con los Estados Unidos. Pero el 12 de julio de 1940, España se declaró oficialmente «no beligerante», y esto abrió unas dudas. ¿Qué diferencia hay entre «neutral» y «no beligerante»? Se quería advertir que España, el Estado español de la época, prestaría un tratamiento distinto a las potencias del Eje (Alemania e Italia) que a los aliados. Se pasó de la neutralidad a la no beligerancia.Con las salvedades pertinentes podíamos decir que el Estado confesional es un Estado beligerante; el Estado aconfesional es no beligerante, y el Estado laico es neutral.

A partir de 1979 (o sea, la revolución de Irán) se ha producido un renacimiento espectacular de las fuerzas teológico-políticas. Los fenómenos a tener en cuenta en ese momento de 1979 eran, por un lado, la muerte de las ideologías, debacle entonces muy viva, por otro lado, la caída del Imperio Soviético. A los muy jóvenes les parece normal que Rusia sea hoy un país donde los ricos tienen gran importancia y donde las mafias rusas manejan muchísimo dinero, pero esto es de hace cuatro días. Nosotros hemos vivido durante años con un imperio soviético de características muy diferentes. Cambió por completo el panorama con la caída del enorme imperio soviético y el final de sus influencias terribles sobre los llamados «países satélites». A partir del 11 de septiembre de 2001 -también una fecha reciente-, se produjo el enfrentamiento de las democracias occidentales y el mundo árabe-musulmán (para simplificar las distintas tendencias existentes allí). Y hoy nos encontramos con factores religiosos que fomentan las rivalidades, por ejemplo, entre India y Pakistán; los factores religiosos están presentes en el Próximo Oriente, los factores religiosos desencadenan la guerra desde el año 2001 en Afganistán y en Irak. Bajo los escombros de las ideologías que han muerto o a las que se ha querido matar, nos percatamos de que el mundo ha redescubierto la religión como la pasión más fuerte, junto con los nacionalismos. Por otro lado, hay países muy importantes, democracias muy importantes, con Iglesias establecidas, por ejemplo el anglicanismo en Inglaterra, el presbiterianismo en Escocia. Hay iglesias oficiales como ocurre en Dinamarca, donde el luteranismo es la religión del Estado; Suecia abandonó la religión de Estado y estableció allí un régimen de separación, pero esto fue en el año 2000.

Un caso especial son los mencionados Estados Unidos. Allí hay un Estado laico después de la famosa separación, o muro de separación, propugnado por Jefferson, entre la acción estatal y la conciencia personal. Sin embargo, es un Estado laico en una sociedad muy religiosa, profundamente religiosa. Es cierto que la primera Enmienda decía: «El Congreso no podrá aprobar ninguna ley conducente al establecimiento de religión alguna ni a prohibir el ejercicio de ninguna de ellas», y esta Enmienda primera está constantemente invocada ante los tribunales. Pero la presencia de Dios está en los billetes de banco, en las canciones patrióticas y, como decía antes, en los actos más importantes, empezando por las convenciones nacionales de los partidos. Ahí está la presencia de Dios. El asombro entre nosotros sería grande si los congresos nacionales del Partido Popular o del Partido Socialista, o de cualquier otro partido, comenzasen con una intervención del representante de la religión católica, o de cualquier otra religión. La gente quedaría sorprendida. En definitiva, en este siglo XXI, que no es el siglo XX, sino que es un siglo con características especiales, anotamos el renacimiento del sentimiento religioso en la sociedad. Subrayamos la crisis del Estado laico, salvo en Francia -aunque también allí habría que matizar mucho entre el laicismo oficial y la realidad de la sociedad francesa-, recordamos el muro de separación Iglesia-Estado, típico de Norteamérica, pero con respeto de la conciencia religiosa. (Un muro que se atraviesa con frecuencia, sin mucha dificultad).

En suma, el laicismo radical es una doctrina que no tiene hoy encaje fácil en las democracias más importantes. ¿No será, acaso, que en España nos gusta vivir a contracorriente?

Manuel Jiménez de Parga, de la Real Academia de Ciencias Morales y Políticas

Las esclavas del burka

Francia, y muy especialmente la derecha francesa, asumen de nuevo el liderazgo en la defensa de la igualdad de las mujeres musulmanas. Pero incluso Sarkozy y la derecha francesa, tan por delante del resto de las democracias en esta imprescindible batalla, tienen miedo a llamar a las cosas por su nombre, a llegar hasta el fin en la denuncia de esta vergüenza tolerada en Europa. Me refiero al argumento esgrimido para proponer la prohibición del burka en la calle y, quizá, del niqab. Que el burka es una cárcel, un calabozo, un ataúd, un signo de esclavitud de la mujer.

¿Y por qué no lo es el pañuelo o el hiyab, prohibido en Francia en la escuela y en las instituciones pero no en la calle? No es la opresión física el problema del burka. Puestos a encontrar tortura física causada por la vestimenta, también podríamos impedir los tacones femeninos o la ropa para cuerpos semianoréxicos. El problema del burka es de valores, el mismo que el del pañuelo, aunque su uso sea menos molesto. Los valores de la discriminación de la mujer.

Ya se utilizó la excusa de los signos religiosos para prohibir el pañuelo en la escuela. Cuando de lo que se trataba era de la única religión que impone signos de discriminación a las mujeres. Y ahora volvemos al argumento indirecto de la tortura física. Mejor dicho, vuelven en Francia. Porque nuestro Gobierno, que tanto presume de liderazgo feminista, tolera la desigualdad de las mujeres musulmanas. Por las mismas razones por las que calla ante la represión en Irán.

Edurne Uriarte
Catedrática de Ciencia Política de la Universidad del País Vasco

Carta de Juan Ramón Jiménez a Juan Guerrero Ruiz

(sin fecha – 1948; extracto)


         Mí querido Juan: muchas gracias por su carta última que he recibido hoy y que contesto hoy mismo.

         Yo, como lo he dicho tantas veces, creo, y he creído siempre en un dios en inmanencia, y nada más. Y creo también que si yo me creara una imagen definida de ese dios, fuera del sentimiento bello de mi conciencia, sería una ofensa para él, porque entonces yo podría ser dios y él no podría ser igual que yo. Siendo él mi dios en conciencia llena de belleza, creo que se sentirá a gusto porque mi conciencia lo nombra como inmanente.

         No olvide usted, querido Juan, que yo llevo 67 años pensando y sintiendo ese dios en mi vocación poética nunca decaída. Esto, me parece que también le gustará a dios. (...) Cristo creo yo que fue el hombre mejor, que ya es bastante y si resucitara como hombre mejor, esté usted seguro que vendría a verme a mí aquí a Riverdale.


         Todas las cosas de la vida debemos hacerlas con amor y por amor al prójimo también cuando el prójimo quiere ser amable y amado, porque dios está en el prójimo y recibe el amor que le damos al prójimo. Que cada prójimo tenga a su dios es lo natural, ya que dios es una palabra, un nombre que se pone a lo que dios es y cada uno puede creer que es lo que es a su manera. Y el prójimo si tiene conciencia es digno de tanto respeto como dios. Cuando no tiene conciencia debe tratársele como se trata a una cosa, un árbol, por ejemplo, y esto no quiere decir que el trato deba ser desagradable. Yo suelo ser bueno con el prójimo y si a veces he sido duro lo he sido por defensa propia, como lo sería con un animalito venenoso. Usted está en el secreto de algunos casos.

         Cuando mi sobrina Victoria decidió entrar en vida religiosa, su madre, su padre, toda su y mi familia quisieron evitarlo menos mi hermano Eustaquio y yo. Yo fui quien se puso decididamente de su parte, escribí una carta a sus padres y ella se fue al convento. Porque yo respeto el ideal de cada persona cuando se ve que es un ideal y lo respeto porque creo que un ideal es lo mismo que otro y si no, no sería un ideal y todos los ideales nos llevan a dios. Si todos tuviéramos un dios ideal interior propio todos seríamos felices y esa felicidad colectiva sería la divinidad verdadera, lo edénico. Las religiones, lo dijo Goethe ¡y qué bien dicho! son ideales colectivos para acoger a quienes no tienen un ideal propio. El ideal propio es la salvación del hombre en dios, en gracia, en conciencia. No hay dios superior a la conciencia porque en último caso la conciencia es la que encuentra a dios. 


(Archivo familiar de los Herederos de Zenobia-Juan Ramón Jiménez. Con licencia de Dña. Carmen Hernández-Pinzón, representante de la Comunidad de Herederos. Publicada en Cuadernos Hispanoamericanos, números.376-378, 1981, en Homenaje a Juan Ramón Jiménez).

Juan Ramón enseña las cartas

En 1916, un barco atraviesa el Atlántico, en dirección a América. En él viaja un hombre feliz, a punto de contraer matrimonio. Es Juan Ramón Jiménez, poeta español que merecerá el Nobel en 1956. Pero en aquel viaje nupcial también le acompaña la muerte. En el barco se entera de que acaba de fallecer su gran amigo Rubén Darío. Y tal vez pensativo en su camarote, o escrutando el horizonte desde la cubierta, recuerda la primera carta que le escribió, allá por junio de 1900, poco después de que acudiera a Madrid, adonde Rubén lo había llamado para «luchar por el modernismo». Rememora aquel abril de los dieciocho años, en 1900, cuando se encontraron, él y su maestro. Se habían escrito habitualmente hasta 1911. Cartas para cruzar el mar de una honda amistad.

Lo que no sabe Juan Ramón es que Darío había realizado el mismo viaje, tan sólo tres meses antes y, casualidades de la vida, en el mismo barco: el «Antonio López», según ha descubierto ahora Alfonso Alegre Heitzmann, editor del epistolario, en una misiva. El destino baraja así las cartas. Mientras que el poeta nicaragüense embarcó enfermo y para nunca volver, nuestro compatriota atraviesa el Atlántico en un momento fundamental de su vida, no sólo por su matrimonio con Zenobia Camprubí, sino porque supone la primera gran metamorfosis de su obra -otras habrá, con dolor en el otro costado, hasta alcanzar la madurez hondísima que hoy celebramos.

Porque hoy, cuando se cumplen 50 años del premio Nobel de Juan Ramón, parecerá mentira recordar que no está editada su obra completa. En parte, porque todavía no se había publicado su epistolario, que ahora comienza con este primer volumen, editado por la Residencia de Estudiantes y la Sociedad para la Conmemoraciones Culturales, y a cargo de Alfonso Alegre Heitzmann, director de la revista «Rosa Cúbica» y autor de la edición de la poesía final de Juan Ramón «Lírica de una Atlántida». Engloba las misivas desde 1898 a 1916, muchas de las cuales se publican ahora por primera vez.

Por ejemplo, después de las 39 cartas que Darío envía a un Juan Ramón de 22 años, ahora se puede asistir a la génesis de «Cantos de vida y esperanza» a traves de las 17 respuestas remitidas por el de Moguer mientras componía el libro y que no se habían editado íntegras aún.

Otro de los epistolarios importantes de este primer volumen, además del de Rubén, es el de Gregorio Martínez Sierra y María Lejárraga, quienes editaron las revistas «Helios» y «Renacimiento» en colaboración con Juan Ramón. Por tanto, en él hay datos enjundiosos para seguir la vida literaria de la época, señala Alegre Heitzmann, quien manifiesta un gran agradecimiento a Carmen Hernández Pinzón, sobrina nieta del poeta, por la ayuda que le ha prestado para acceder a archivos que difícilmente habría podido investigar sin su credencial.

La poesía escondida

En numerosas ocasiones Juan Ramón acompañaba sus cartas con versos o poemas, que ahora aparecen por primera vez reunidos en anexos de este libro, y también textos en prosa desconocidos hasta hoy. El mismo poeta pensó en alguna ocasión en publicar este conjunto de joyas, bajo el título de «Poesía escondida: cartas y poemas». También, comenta Alegre, pensó en publicar su epistolario con nombres como «Cartas literarias», «Cartas de amor sin nombre», «Cartas a mí con notas mías»... Tantos proyectos le llevaron a acuñar el aforismo: «Mi mejor obra es mi constante arrepentimiento de mi obra», una característica que le llevaría a muchas de sus crisis personales y metamorfosis. «Nunca tuvo respeto por el libro como algo que no se puede revisar», añade Alegre.

La imagen de Juan Ramón aislado debe ser reinterpretada. En opinión del editor del volumen no es la torre de marfil, si no su antítesis: él se aísla, sobre todo desde 1906, para establecer una relación profunda con la poesía. Es importante y reconocido, pero ya en 1912 escribe cartas pidiendo que no se le hagan homenajes. Él sabe que traicionar ese principio de huir de la fama sería lo peor. «Cuando es tan duro con los otros, y nunca acude al insulto, olvidamos que es más duro consigo mismo», dice Alegre.

Por todo el mundo

El hecho es que hay misivas de Juan Ramón por todo el mundo. La dificultad en esta ocasión ha sido hallar el original enviado en muchos casos, ya que las copias conocidas anteriormente tienen siempre algunas diferencias con el texto final. Capítulos importantes de este primer volumen son las cartas cruzadas con Cansinos Assens, Ortega, Unamuno, Gómez de la Serna o Díaz Canedo. A lo largo de los próximos volúmenes se observará cómo Juan Ramón dialoga con los principales intelectuales de su tiempo, en cada momento, desde Unamuno y Ortega, pasando por el 27 y las vanguardias, hasta nombres como Ezra Pound.
Jesús García Calero
Otros artículos sobre Juan Ramón Jiménez:
Andalucía firma la paz con Juan Ramón Jiménez

domingo, 28 de junho de 2009

El Dios de Juan Ramón

Este poema inédito revela el encuentro del poeta de Moguer, al final de su vida, con el Dios que aprendió y tal vez no pudo comprender de niño. Lo escribió en siete pequeñas hojas de papel, en las que se transparenta su idea mística. Pensó el poema como colofón de su libro "Dios deseado y deseante" y el original ha estado perdido desde hasta hace apenas dos semanas. Joaquín Llansó y Rocío Bejarano lo acaban de hallar en Puerto Rico. lo desvela para sus lectores...

Dios deseado y deseante

 Partimos de Dios

         en busca de Dios,

         sin saber qué buscamos.


                  El dios con minúscula,

5        el dios bajo cielo,

         el cielo que es mar,

         sobre aire que es cielo,

         ¡entre aire y marcielo,

         y que es pleamar, y que es pleacielo!


10               El dios deseante,

         el dios deseado,

         -¡el dios deseado y deseante!-

         me trae este Dios,

         un dios Dios tan DIOS,

15      ¡un dios: DIOS DIOS DIOS!

         … que al cabo de todos los cabos,

         que al borde de todos los bordes

         un día encontramos.


                  Cada vez más suelto, y más desasido;

20      cada vez más libre, más ¡y más! ¡y más!

         a una libertad de puertas de Dios.

         Y entonces la puerta se abre… y  ¡más libertad!


                  Estoy pasando la cuerda,

         cuerda que Tú me has tendido,

25      Dios mío, mi dios, ¡Dios mío!

         ¡Dios mío, no soples, Dios!


                  Siento la inminencia del dios Dios,

         del Dios con mayúscula,

         -el que nos enseñaron cuando niños

30      y no aprendimos-.

                   ¡Dios se me cierne en apretura de aire!


                  ¡Se me está viniendo Dios

         en inminencia de alma!

                  ¡Se me está acercando Dios

35      en inminencia de amor!

                  ¡Se me está llegando Dios

         en inminencia de Dios!

San Pablo y las mujeres

Mañana, festividad de uno de los gigantes del cristianismo, termina el año jubilar dedicado al rabino Pablo, el que abrió la Sinagoga a los gentiles. Aprovecho, pues, esta circunstancia para leer la espléndida y documentada biografía del apóstol escrita por Josef Holzner (Herder, 1986). Pero de lo que quiero escribir hoy es de esa manía que se le atribuye al santo hacia las mujeres, debido a este pasaje de la primera carta a los corintios (14, 33-35): «Como enseño en todas las iglesias de los santos, las mujeres guarden silencio en las asambleas, pues no se les permite hablar, sino que deben estar sumisas, como también dice la Ley».

Ciertamente, leídas esas líneas así, a palo seco, sacadas del texto y dos mil años después de escritas, hoy, cuando las mujeres apenas se distinguen de los hombres o viceversa, incluso en esa funesta costumbre, hasta hace poco patrimonio masculino, de llegar a casa malhumoradas, pueden resultar hasta chocantes. Manuel Iglesias, jesuita, en dos artículos, llenos de ironía e inteligencia, escritos en los números de mayo y junio de la espléndida revista «Magnificat», me ha dado la clave del asunto.

El cristianismo, y muy especialmente Pablo, defendieron, desde el origen, la igualdad y dignidad de la mujer. Eso que ahora resulta normal, hace veinte siglos fue algo extraordinario, revolucionario. «En las bacanales en honor a Dionisios -recuerda el jesuita- las jóvenes danzaban sin freno, provocativamente. Pero si la reunión cristiana acaba pareciéndose a las orgías paganas, si las mujeres que no mucho antes han danzado obscenamente, ahora, recién convertidas atraen la atención de los demás con rarezas, san Pablo lo tiene claro: ¡así no se edifica la Iglesia!» Y termina su reflexión dejándonos con una sonrisa en los labios: «Que ese párrafo fuese escrito con mal humor, pase. Pero de esas frases, puede deducirse honradamente la supuesta manía de san Pablo contra las mujeres?»

Jorge Trías

sábado, 27 de junho de 2009

Michael Jackson (1958-2009) - O gênio atormentado

A trajetória extraordinária, o legado artístico, a vida controvertida e a morte surpreendente e enigmática do rei do pop

A morte do cantor, compositor e dançarino Michael Jackson, aos 50 anos, causou uma comoção mundial só reservada antes a outros dois ídolos da música popular: Elvis Presley (1935-1977) e John Lennon (1940-1980). A reação dos fãs canoniza o “rei do pop” – que não constituiu um título oficial, mas o apelido que sua amiga, a atriz Elizabeth Taylor, lhe deu em 1989 na entrega de um entre as centenas de prêmios que ele recebeu em sua carreira. Não poderia haver apelido mais adequado. Assim como Presley ganhou o título de “rei do rock” e Lennon se consagrou como o poeta da rebeldia global dos anos 60, Michael Jackson foi o líder revolucionário da música pop, o fundador da era do videoclipe, o defensor de causas sociais e o maior vendedor de discos de todos os tempos. A exemplo de Elvis e Lennon, Michael experimentou a glória e a tragédia e deixou atrás de si um rastro de enigmas e azares. Foi vítima do sensacionalismo da imprensa de celebridades e enfrentou batalhas jurídicas polêmicas, como as acusações de assédio sexual a menores – das quais foi absolvido.

Carisma, mistério, decadência e morte são as marcas dos ícones da cultura pop. Michael Jackson reuniu todos esses elementos. Subiu mais alto que todos, foi o artista mais popular do planeta e amargou uma longa derrocada artística que durou 20 anos e o levou praticamente à falência financeira – um traço distintivo em relação a seus dois antecessores no reinado pop, que morreram milionários. Michael passou de anjo a monstro, mas a história deverá lhe dar o status de gênio, um artista conturbado e sincero cujas confissões nunca foram levadas a sério.

Por isso mesmo, quando os twitters e sites de fofocas anunciaram sua morte, furando os jornais, tudo aquilo pareceu mais um boato entre os muitos que envolveram Michael. Desta vez era verdade, e a notícia levou a um choque de proporções mundiais. A morte de Michael Jackson foi confirmada oficialmente na tarde da quinta-feira 25, no Centro Médico da Universidade da Califórnia em Los Angeles (UCLA), aonde chegou em coma depois de uma parada cardíaca sofrida em uma mansão alugada no bairro de Bel Air. Imediatamente, multidões saí­ram espontaneamente às ruas no mundo inteiro para reverenciar o ídolo máximo do pop. De Mumbai a Nova York, de São Paulo a Londres, as pessoas se reuniram para fazer homenagens e cantar juntas os sucessos do ídolo. Enquanto a autópsia do corpo não era realizada, proliferaram as especulações. Ele estaria estafado com o ritmo de exercícios físicos para recuperar a forma, e isso teria provocado um infarto. Cogitou-se também suicídio por barbitúricos. O advogado Brian Oxman, da família Jackson, afirmou que Michael estava muito tenso ultimamente e que usava remédios com receita médica para aliviar a ansiedade, a dor e o esgotamento nervoso. Na sexta-feira, as primeiras investigações sobre a morte levantavam a hipótese de que ele tenha recebido uma injeção de Demerol (medicamento à base de morfina, contra a dor) ministrada pelo médico da casa, Conrad Robert Murray, no final da manhã, duas horas antes de morrer.

A tensão que Michael vivia nos últimos tempos foi motivada pela insegurança em relação a seu retorno aos palcos, com a turnê This is it, que estava marcada para estrear em 13 de julho na O2 Arena, em Londres. A temporada estava pré-consagrada, com 800 mil ingressos vendidos para 50 shows programados até março do ano que vem. O plano de Michael, conforme declarou na entrevista coletiva que concedeu na Inglaterra em janeiro, era percorrer outras cidades do mundo. Os sites de fofoca de Hollywood, como o TMZ, informam que o artista tinha uma dívida de US$ 320 milhões. A turnê o ajudaria a saldá-la, pois lhe renderia só na Inglaterra US$ 400 milhões. Ele tinha consciência de que sua carreira não poderia continuar depois.

“Esta será a minha cortina final”, disse, diante de 7 mil fãs. “Depois disso, nada mais. É isso e pronto (this is it).” E emendou, com as lágrimas transparecendo, apesar de seus óculos mais escuros que seu cabelo longo tingido de negro, encobrindo o rosto desfigurado por sucessivas cirurgias plásticas: “Eu amo vocês, de verdade!”. As multidões que lhe prestaram tributo no mundo inteiro nos últimos dias mostraram que o sentimento era recíproco.

Para conquistar centenas de milhões de admiradores, Michael Jackson esteve à frente de três acontecimentos fora do comum. Primeiro, simbolizou as mudanças sociais ocorridas nos Estados Unidos e no mundo nas últimas cinco décadas. Afirmou o lugar de destaque dos artistas negros, fez moda e alterou o comportamento da juventude. Em segundo lugar, no plano comercial, atuou como peça fundamental para a transformação da indústria da música e do entretenimento em um negócio gigantesco. Com seus passos inventados, os espetáculos superproduzidos, sua vocação para o videoclipe e para entender o que as pessoas queriam ouvir, ele instaurou a era dos superastros – no que foi seguido por Madonna, Prince e... os outros. Por fim, sua contribuição artística se revelou tão poderosa que hoje quase toda a música pop de sucesso é devedora de suas invenções (leia o quadro na última página).

A história de sua formação é repleta de lances de sorte, e também de tristeza. Sua infância foi marcada pelas agressões físicas sofridas dentro de casa. Ele nasceu Michael Joseph, em Gary, Indiana, em 29 de agosto de 1958, sétimo filho de uma família de nove irmãos. O pai, Joseph Walker Jackson, trabalhava como operador de guindaste na Island Steel Chicago. A mãe, Katherine, era dona de casa e cristã devotada. Depois de muitos batismos, converteu-se às Testemunhas de Jeová. Ela achava que Michael era um ser especial. Ainda bebê, dançava sacudindo a mamadeira. Com 5 anos, arrancou aplausos numa apresentação da escola, quando cantou “Climb ev’ry mountain”, do musical A noviça rebelde. Seus irmãos igualmente exibiam talento musical. Eles cantavam e dançavam na frente de casa, localizada em uma área pobre e reservada aos negros da cidade. Não demorou para que Joseph visse nas brincadeiras dos filhos um negócio a explorar. Em 1960, criou o primeiro conjunto – o trio The Jackson Brothers, formado por Jack, de 9 anos, Tito, 7, e Jermaine, 6. Depois viriam Marlon e Michael, que se juntou ao grupo quando completou 5 anos, em 1963. Surgia o Jackson 5. Depois, Michael Jackson lembraria das pancadas que costumava levar de seu pai, porque era o único dos irmãos que revidava as agressões. “Meu pai era horrível”, disse em entrevista a Oprah Winfrey, em 1993. “Eu chegava a vomitar quando o via. Não tive infância, eu era obrigado a trabalhar dia e noite. Foi um preço alto para o sucesso...”

A carreira profissional se iniciou quando o conjunto venceu o concurso de calouros do Apollo Theatre, no bairro negro do Harlem, em Nova York, em agosto de 1967 – episódio narrado no livro Michael Jackson, a magia e a loucura, de J. Randy Taraborrelli (Editora Globo). A gravadora Motown, dedicada ao rhythm-and-blues, tinha experiência com astros infanto-ju­venis, pois vendia muito vinil com o astro infantil Stevie Wonder. Contratou os irmãos Jacksons em 1968. Eles logo atingiram o sucesso. Em 1970, o Jackson 5 bateu um recorde: pela primeira vez, um grupo chegava ao primeiro lugar das paradas de sucesso da revista Billboard com quatro músicas: “I want you back”, “ABC”, “The love you save” e “I’ll be there”. Muito do êxito estava ligado à voz aguda e afinada e ao desempenho de palco de Michael. A Motown lançou-o em carreira solo em 1971. Foi quando sua voz agudíssima e afinada se fez ouvir no mundo todo com as canções lentas “Got to be there” e “Ben”. Ele continuava no Jackson 5, que amargava o fracasso. Em 1975, o grupo trocou a Motown pela CBS.

O produtor da gravadora, o maestro e jazzista Quincy Jones, se encantou com o talento musical e gestual de Michael e se ofereceu para produzir seus álbuns a partir de então. A parceria rendeu a trilogia Off the wall (1979), Thriller (1982) e Bad (1987). Os três discos elevaram Michael Jackson à condição de superastro. Off the wall foi o LP mais vendido de rhythm-and-blues até então: 20 milhões de cópias. Com Thriller, a fórmula de superpro­dução de cada faixa fez com que Michael Jackson fosse o primeiro artista afro-americano a atingir a corrente principal do pop. As vendas do álbum até hoje não foram superadas: atingiram 104 milhões de exemplares em 25 anos, segundo a produção do músico (o livro Guinness de recordes informa 65 milhões).

Thriller foi uma fonte de inovações. Em 1983, durante a festa de 25 anos da Motown, Michael cantou com voz superaguda uma nova modalidade de balada, Billy Jean, uma mistura de rock, funk, soul e jazz, enquanto exibia pela primeira vez o “moonwalk” (“andando na lua”), a coreografia de passos escorregadios e imprevisíveis jamais vista. A plateia gritou e aplaudiu com entusiasmo. Outra contribuição do artista está na transformação do vídeo musical em peça de arte. Antes, o videoclipe era usado mais como peça promocional. A partir de Thriller, dirigido por John Landis (de Um lobisomem americano em Londres, de 1981), o videoclipe ganhou autonomia estética. De lá para cá, som e imagem se tornariam inseparáveis. Bad reafirmou a eficácia da fórmula criada por Quincy e Michael, que até hoje é usada: uma acoplagem de funk, soul, jazz, música latina e rock. A indústria da música vivia seu ápice, liderada pela CBS, depois comprada pela Sony (atual Sony BMG).

O canto de Michael alterou a música porque transformou o falsete, em geral usado em backing vocals, num campo de improvisações. As letras das canções continham mensagens fortes e críticas sobre a situação das comunidades pobres dos Estados Unidos, obrigadas a viver na miséria. Em dez discos solos, lançados de 1972 a 2001, Michael atingiu a impressionante marca de 750 milhões de cópias vendidas no mundo todo. Um recorde praticamente impossível de ser superado, até porque o disco deixou de ser o suporte exclusivo da música. O fim do CD correspondeu ao fim da carreira musical de Michael. Seu último CD, Invincible (2001) não emplacou um único sucesso.

Michael esteve à frente da mudança de atitude dos artistas afro-americanos. Antes dele, o negro só podia brilhar em um nicho de mercado, o rhythm-and-blues. Depois dele, o panorama do pop se alterou radicalmente: os gêneros negros triunfaram, já não como som de gueto, mas generalizado. Em 1985, Michael escreveu com Lionel Richie a música “We are the world” (“Nós somos o mundo”), para arrecadar fundos para combater a fome na África. O clipe com a música reuniu os principais astros daquele tempo e inaugurou a era da generosidade no pop. Em 1993, ansioso para conhecer a América Latina, Michael se apresentou no estádio do Morumbi, em São Paulo, na turnê Dangerous. Voltaria ao país em 1996, para gravar, na Favela Morro Dona Marta, no Rio, e no Pelourinho de Salvador, o clipe “They don’t care about us” (“Eles não ligam para nós”), com participação do Olodum e direção de Spike Lee. Para gravar no Rio, Michael teve de negociar com o chefe do tráfico local, Marcinho VP.

O artista foi também um visionário social: em 1991 ele anunciava o mundo pós-racial com a canção “Black or white” (“Preto ou branco”). Se naquele momento aquilo pareceu uma excentricidade para justificar as operações de branqueamento da pele a que se submetia (segundo ele, por causa de um vitiligo), hoje o clipe da música soa como o anúncio de um novo mundo, em que as raças se fundem e a humanidade se eleva para um plano universal.

À medida que sua música definhava, afloravam as frustrações infantis. Inseguro com a aparência e com a própria personalidade, desde 1988 Michael passou a se submeter a cirurgias plásticas e a dar vazão a manias, como colecionar objetos bizarros e comprar um rancho, que batizou de Neverland (Terra do Nunca) em homenagem a seu personagem favorito: o eternamente menino Peter Pan. Ali, convidava crianças para passar o dia (e alguns a noite) com ele, o que lhe rendeu diversos processos por pedofilia.

A vida privada problemática se misturou ao anseio de se aproximar de seus ídolos. Comprou, num leilão, os direitos autorais sobre metade das músicas da dupla Lennon & McCartney. Paul McCartney, que também participou do leilão, ficou furioso, e nunca mais falou com Michael. Com 36 anos, casou-se com Lisa Marie Presley, filha de Elvis Presley. O casamento durou dois anos e só fez crescer os rumores sobre seu comportamento estranho. Isso aumentaria em seguida. Para ter filhos, Michael ficou casado entre 1995 e 1999 com a enfermeira Debbie Rowe. Da união, nasceram dois filhos, Prince Michael I, hoje com 12 anos, e Paris Katherine, com 11. Michael fez acordo com Debbie para ficar com a guarda das crianças. Depois, gerou Prince Michael II, hoje com 7 anos, por inseminação artificial.

Ele buscou a justificativa íntima compondo “Childhood”, canção lançada em 2001. Segundo ele, a música continha a explicação para suas frustrações. Mas ninguém deu muita atenção ao recado. Dizem os versos: Você viu a minha infância?/Estou procurando pelo mundo de onde venho/Nos achados e perdidos do meu coração/Ninguém me entende/Eles a veem como excêntrica/Porque continuo brincando/Como uma criança, mas me perdoem”. E, mais adiante: Antes de você me julgar, se esforce por me amar.

Nesta última década, o público lhe virou as costas. Seu último disco, Invincible, não cumpriu a promessa do título: apesar da qualidade à altura do mito, não venceu os crescentes preconceitos do público. Envolvido em escândalos e perseguido por credores, cada vez mais fechado em si mesmo, Michael sofreu uma decadência física, moral e artística mais lenta que a de Elvis Presley – e uma danação pública que John Lennon nem imaginaria.

Certa vez, Michael afirmou que uma das metas de sua vida foi conquistar a imortalidade pela música. Não há dúvida de que conseguiu. Não só sua música. Há um pouco – ou muito – de Michael Jackson no canto e na dança de Justin Timberlake, Usher, Chris Brown, Rihanna... e até Prince, Madonna ou Black Eyed Peas. Antes de Michael Jackson, havia nichos sonoros para públicos específicos: o rock, o soul, a salsa. Depois de Michael Jackson, há... qualquer coisa que você vai ouvir, no universo do pop, nos próximos 20 anos. 

Luís Antônio Giron

Revista Época, nº 580, 6/ 2009

Mauricio de Sousa homenageia Michael Jackson

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Mauricio de Sousa mostrou agora há pouco, via Twitter, esboço de história em quadrinhos estrelada pela Turma do Penadinho que presta homenagem ao cantor Michael Jackson, morto na quinta-feira. O roteiro da emocionante história de dez páginas foi escrito por Paulo Back e sairá arte-finalizada e colorida na revista da Mônica de número 33, em setembro. Segundo o autor, a historinha é tão linda que não dava para esperar publicar nas revistas.

Réquiem por un genio

Minotauro prisionero en un laberinto de rarezas, inquilino de túneles sonámbulos donde crece sigiloso el moho de las aberraciones, ogro desvalido y traumatizado por el recuerdo de una infancia atroz, Michael Jackson tenía el aire desvencijado de los hombres que han dejado de serlo hace mucho tiempo. Había en su mirada, que era la única circunstancia de su rostro en la que aún palpitaba -aterida de dolor y perplejidad- la vida, una petición de clemencia, una nostalgia anticipada del ataúd, un deseo lastimado de desvanecerse para ser plenamente esqueleto, para fosforescer bajo tierra y beber en el río de lotos del olvido. Y, a la espera de ese fin tan ansiado, las termitas de la locura lo iban minando poco a poco, lo iban vaciando de músicas, le iban blanqueando la calavera, hasta asemejarlo a una pálida radiografía, a un espantapájaros que acabase de salir de la sastrería con la mortaja puesta.

Era la imagen fantasmal del naufragio, de ese miedo frío que acampa en los corazones que han dejado de latir, de esa soledad oceánica que queda en los cuerpos cuando se han vaciado de alma. Era la imagen de un hombre dimitido de su piel, dimitido de sus sueños, dimitido de sí mismo, un mascarón de hombre que había perdido las ganas de seguir respirando, las ganas de seguir arrastrando sangre en las venas, las ganas de cortarse las venas para vaciarse de sangre, las ganas de sentir curiosidad o zozobra, tedio o esperanza. Pero en aquella carcasa vacía, añorante de la nada, anidó en otro tiempo el genio; en aquella sombra desahuciada habitó ese soplo divino que llena de belleza el mundo; y, en su caso, sopló tanto que acabó calcinándolo.

Yo, que tantas veces vibré con sus canciones en la adolescencia, siempre fantaseé con la posibilidad de que Michael Jackson resucitara de ese lecho de algas heladas donde se pudría su genio; fantaseé con la idea de que su música, que un día se quedó afónica, volviera a llenar el mundo, trémula como un pájaro; fantaseé con la idea de verlo otra vez en un escenario, lavado por el agua lustral de la redención. Pero Michael Jackson se fue hundiendo en los piélagos de espanto de la autodestrucción, en lodazales de sordidez y patetismo que apagaban el eco de sus canciones. Recluido en su rancho de Neverland, que era el cementerio de sus sueños y el hervidero de sus pesadillas, mientras la herrumbre se apoderaba de los tiovivos que un día acogieron la algarabía de los niños que quiso apacentar como un Peter Pan redivivo, los buitres merodeaban su cadáver anticipado, expectantes de la carroña que luego vomitaban en la prensa, para alimento de las multitudes que en otro tiempo lo adoraron y que en los últimos años paladeaban con inescrutable deleite su decadencia.

Michael Jackson ha satisfecho esa abyecta pulsión humana que obtiene placer en la demolición de los mitos que previamente ha erigido. Su descenso a los abismos de la degradación y la extravagancia se contemplaba con regocijo, porque ejemplificaba la verdad de aquella sentencia clásica: «Cuanto mayor es el ascenso, más dura será la caída». Y el mundo que en la cima de la gloria lo veneró experimentaba una suerte de alivio compensatorio -un alivio cetrino, infrahumano, miserable-ante el espectáculo de su desgracia. Siempre me resistí a considerar a Michael Jackson ese epítome de depravaciones que nos pintan las crónicas más sensacionalistas. Pero, aunque lo fuera, más digna de estudio clínico que sus hipotéticas depravaciones resulta esa patología social que se deleita ensañadamente en la destrucción del ídolo caído.

El hombre que ayer murió era el despojo de ese festín caníbal. Pero en sus canciones alienta ese soplo divino, inalcanzable para los buitres, que calcina a los genios e impulsa el vuelo de los ángeles.

Juan Manuel de Prada

«The one»

Se ha muerto Michael Jackson y me pregunto por qué. Por qué a un hombre que lo ha tenido todo, talento, fama, admiración, dinero, le sobreviene un jueves un infarto, antes de lo inminente de una gira, antes de que volvieran a encenderse los focos para sacarles chispas a sus trajes dorados, antes de que la edad lo consumiera, antes de que sus pies se alicortaran, antes de que su piel se trasluciera. O por qué, si es que es cierto, él mismo se cruzó hacia el otro lado con un óbolo gris bajo la lengua. Cuesta entender sin miedo por qué mueren los astros.

Igual que las estrellas más remotas, su luz helada seguirá llegando a todos los rincones del planeta en forma de canción y de pirueta, en forma de papiro y voz quebrada, en forma de una mano en la bragueta, mientras su muerte viaja a través del espacio. Por algo era «the one». Era un genio nacido para el alba, pero en su última hora, ya a solas con el último pañuelo, a las puertas de su otro Neverland, quizás su alma volviera a ser de cera, a ser la del pequeño de los Jackson.

Se ha muerto, como tantos, de su propio reflejo. De ambición y de espanto. De saberse distinto, de sentirse inmortal, y luego descubrirse en un espejo. Yo no sé si era bueno o si era «bad».

Tuvo una infancia triste y quizás hizo daño. No sé de quién huía con su máscara avara. Ignoro el contenido de sus sueños. Pero hizo como nadie lo que mejor hacía: electrizar consigo un escenario. Si allá arriba hay un Dios que lo esperaba, me pregunto en qué coro lo habrá puesto. ¿Con los ángeles negros o los ángeles blancos?

Laura Campmany

Michael Jackson e suas surpresas no Brasil

Globo Reporter (26/6/2009)

Afinal, quem foi Michael Jackson?

Michael Jackson: falamos do mito, do homem ou do menino, em sua fabulosa Terra do Nunca? Ambivalente: preto e branco. Explosão de energia que se espalhou pela Terra em canções que falam de amor e de mudança. O rei do pop amava seus fãs e recebia de volta, em todas as línguas, o mesmo carinho. 

A história tem repetido a mesma sentença para os ídolos da música: overdose. Mas overdose de medicamentos permitidos? Não precisamos de autópsia para saber que o menino Michael morreu cedo. No meio de fantasias para mudar de rosto, de corpo, de cor, ele não aprendeu a lidar com emoções reais. Trabalhou como homem quando era criança. E ainda era uma criança quando amadureceu.

Tímido, ousado, idolatrado e acusado. Um mito de quantas faces? Misteriosamente irreconhecível, ele se escondia no mundo da fantasia, sim. Mas espiava a realidade. Doou milhões para crianças doentes. E, quem esquece, é dele o hino da esperança. "We are the world" uniu o planeta contra a fome na África. Quem era ele, afinal?

Globo Reporter (26/6/2009)

Coreografias revolucionárias

Michael Jackson não era só cantor para ser ouvido, mas também visto. Sua principal criação na dança foi o Moonwalk, passo que ele fazia andando para trás. Além disso, sua coreografias eram criativas.

Jornal da Globo

Michael Jackson: ascensão e queda

O primeiro sucesso do Jackson Five na Motown é "I want you back", em 1970. O álbum vende 3 milhões de cópias e ganha disco de ouro – apenas o primeiro de uma série na gravadora. 

Entre os irmãos, o caçula Jackson se destacava em tudo: era afinado e sabia dançar. Aos poucos, foi assumindo a liderança. A música do artista rompe a barreira racial. Sua dança ganha as ruas.

A carreira solo era inevitável. Em 1979, o álbum "Off de wall" explode nas paradas de sucesso e vende 11 milhões de cópias. 

A obra-prima do artista veio em 1982. "Thriller" é, até hoje, o álbum mais vendido de todos os tempos, no mundo, com 109 milhões de cópias. Em nove faixas, foram sete sucessos. 

O videoclipe lançado em seguida para promover o disco surpreendeu o mundo. São 14 minutos sensacionais, em uma produção de US$ 500 mil do diretor John Landis. 

Apenas um ano depois, em 1983, mais um passo na carreira. E que passo! Moonwalker se tornou a marca registrada do mestre. 

Com técnica, coreografia e domínio da voz, Michael Jackson torna-se, definitivamente, o rei dos palcos e do pop. Na festa do Grammy em 1983, Michael Jackson bate outro recorde: ganha oito prêmios. 

Em 1985, ele é o principal artista americano de uma campanha mundial contra a fome na África. A música "We are the world" é de Michael Jackson e Lionel Ritchie. 

Em Londres, durante a inauguração de uma réplica dele no Museu de Madame Tussaud, as cenas de histeria são impressionantes. Igual, só no tempo dos Beatles. 

Em 1987, o cantor parece mais branco no videoclipe "Bad". O disco vende 30 milhões de cópias.

Furacão musical, fenômeno pop, gênio, visionário. Desde o início, crítica e público se derramavam em adjetivos. E com razão. Michael Jackson foi surpreendente em tudo, desde o início. Com apenas 5 anos se juntou aos quatro irmãos no grupo que mais tarde se chamaria Jackson Five. Começava ali a carreira que iria influenciar a música pop no mundo inteiro nas próximas décadas.

Um vídeo doméstico mostra as primeiras imagens gravadas de Michael Jackson. Ele tinha apenas 6 anos, mas o jeito de dançar era inconfundível. Poucos anos depois, o Jackson FIve é convidado pela cantora Diana Ross para um teste na gravadora Motown, em Detroit. A especialidade da gravadora era lançar artistas negros talentosos que chegassem ao mercado branco.

Um novo disco veio em 1991: "Dangerous". A crítica não elogiou tanto, mas o público adorou. Músicas como "Black and white" fizeram o maior sucesso. 

Em sua carreira, Michael Jackson esteve três vezes no Brasil, a última foi em 1996. Neste ano, ele gravou com o grupo Olodum, no Pelourinho, em Salvador. Gravou também, na Favela Santa Marta, no Rio de Janeiro, o videoclipe "They really don't care about us", dirigido por Spike Lee.

Nos anos seguintes, começa o declínio. Somente em 2001, o artista grava um novo disco: "Invincible". Fisicamente, é um outro Michael Jackson. Abalado por problemas físicos e psicológicos, envolvido em escândalos, o cantor foi se tornando cada vez mais recluso. A última aparição musical foi na Inglaterra, na entrega de um prêmio, em 2006. Com voz fraca, nem de longe lembrava o artista genial, o furacão musical que varreu o mundo nos anos 80.

Globo Reporter (26/6/2009)
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